El oficio de diseñador gráfico e ilustrador con Antoine LANAU

Para esta nueva entrevista dedicada a los oficios de la música, salimos al encuentro de Antoine LANAU, diseñador gráfico e ilustrador independiente. Nos habla de su trayectoria, su proceso creativo, la influencia de su experiencia como músico en su trabajo, pero también de los encuentros que han contribuido a hacer evolucionar su carrera.

Una entrevista que nos sumerge entre bastidores de un oficio donde la creatividad, la curiosidad y la gestión empresarial deben convivir a diario.

¡Hola Antoine! Para empezar, ¿puedes presentarte en pocas palabras? ¿Cómo te convertiste en ilustrador y diseñador gráfico independiente?

¡Hola Valentine! Me llamo Antoine Lanau, soy ilustrador y diseñador gráfico independiente desde 2018. Trabajo esencialmente para la escena musical amplificada (hardcore/punk/rock/metal) creando visuales de merch, portadas de álbumes, carteles de festivales, etc. También me encanta diseñar logotipos.

Empecé mi actividad después de 9 años en la restauración. Durante ese período, ya dibujaba y empecé a recibir algunos encargos de aquí y de allá. También giraba con mis grupos (Fire At Will y Skull Soda), pero combinar este oficio tan absorbente con la vida de músico más la ilustración empezó a ser insostenible. Así que me armé de valor y me lancé creando mi microempresa.

Aprendí de forma autodidacta, no tengo ningún diploma ni siquiera he seguido un cursus académico.

Hoy te mueves en universos muy marcados, entre el rock, el metal y los juegos de mesa. ¿Era algo evidente desde el principio o tu trayectoria te fue llevando progresivamente hacia estos sectores?

No era evidente en absoluto. Empecé trabajando para grupos porque formaba parte de la escena hardcore tolosana y mi red se construyó por esa vía. Todavía hoy, la mayoría de mis trabajos de ilustración son para artistas, festivales o productores de música. Ha sido a lo largo de los encuentros de la vida que he podido explorar otros universos: los juegos de mesa, como mencionas, pero también grandes y pequeñas empresas, particulares, etc. Cada vez, ha sido un encuentro o un intercambio de contactos lo que me ha permitido variar los sectores creativos.

¿Cómo es un día tipo en la vida de un diseñador gráfico independiente?

Solo puedo hablar por mi caso, pero a decir verdad estoy tan desorganizado que no tengo ningún día tipo, jaja. Pero para dar una respuesta profesional: empiezo leyendo mis emails, reviso los proyectos en curso y lo que hay que terminar / modificar / comenzar, y luego empiezo a gestionarlo todo. Soy más eficiente por la mañana, así que priorizo ese momento para trabajar. Por la tarde, a menos que me obligue un deadline urgente, prefiero hacer otra cosa, y a menudo retomo al final del día.

Todo esto lo hago, pero no siempre en ese orden, sobre todo porque para un creativo, todo lo que sucede en la vida puede alimentar tu trabajo; por eso es importante para mí salir a recargar energías, vivir experiencias, de lo contrario doy vueltas en círculos rápidamente y mi imaginación se empobrece.

¿Puedes describirnos las grandes etapas de tu proceso creativo, desde la primera conversación con el cliente hasta el visual final?

Siempre empiezo con una conversación en persona cuando es posible (por videollamada o por teléfono), es más fluido para intercambiar ideas, entender y percibir lo que quiere el cliente. Una vez establecido el brief, elaboro un presupuesto con toda la descripción del proyecto. Si este último es validado, me pongo manos a la obra haciendo búsquedas de inspiración (a veces también comienzo directamente) y luego paso a los bocetos. Puedo hacer uno o varios, dependiendo del proyecto.

Una vez satisfecho, envío el boceto al cliente; en esta etapa, el visual es muy esquemático: es un dibujo a lápiz gris que solo sienta las bases de la composición y el estilo, pero contiene muy pocos detalles. Una vez validado, paso al entintado y luego al coloreado. Trabajo casi exclusivamente en tableta gráfica con Photoshop, aunque de vez en cuando dibujo en papel. De nuevo, todo depende del proyecto.

Para un logotipo, mi proceso es prácticamente el mismo.

Como músico, ¿tu experiencia en el escenario influye en tu manera de crear visuales para grupos o festivales?

Sí, porque hay códigos gráficos propios de cada estilo musical que hay que respetar. Por lo tanto, es necesario interesarse mínimamente por lo que se hace, sobre todo porque las tendencias cambian rápido; eso influye definitivamente en mi estilo. Hoy en día, mi actividad como músico es muy esporádica, así que encuentro inspiración principalmente en internet y en los libros, pero es evidente que la práctica de un instrumento en un grupo y la vida que conlleva permite comprender mejor este mundo.

¿Ha habido algún proyecto o encuentro que haya marcado un punto de inflexión en tu carrera?

Ha habido varios, pero pienso en un momento en particular. En el Hellfest en 2019, tuve la ocasión de conocer a Adrien y Jesse, dos ilustradores talentosos conocidos bajo el nombre de Fortifem. Ya conocía su trabajo y era bastante tímido al conocerlos, tenía muy poca confianza en mí mismo en aquella época. Hablamos de la vida de ilustrador cuando yo estaba en mis comienzos. Desde entonces, Adrien me ha recomendado a menudo ante clientes para los que no tenían tiempo de responder favorablemente. Eso me llevó a trabajar para grupos y actores de la escena más «grandes» y hoy marca una evidente diferencia en mi portfolio. Le estoy muy agradecido por la confianza que deposita en mí al dar mi contacto a esos clientes.

¿Cuáles son, para ti, las cualidades indispensables para poder ser diseñador gráfico (más allá de tener talento para el dibujo, ¡claro!)?

Voy a establecer aquí la distinción entre diseño gráfico e ilustración.

El diseño gráfico es una actividad que exige interesarse por los distintos elementos de comunicación como la tipografía, la maquetación, el significado de los colores, las formas, etc. Ser curioso sobre las tendencias de comunicación y ser riguroso en el aprendizaje es importante. También es indispensable aprender a utilizar los programas correspondientes (suite Adobe o Affinity).

Para la ilustración es un poco diferente. Conocer las bases como la perspectiva o la anatomía es una gran ventaja, por supuesto (por lo que el rigor entra en juego), pero es sobre todo el deseo de crear lo que importa desde mi punto de vista. Todas las técnicas son entonces posibles y uno siempre mejora con el tiempo. Lo que quiero decir es que no es necesario saber dibujar «bien» para empezar, solo hay que… dibujar. Observar el mundo, ser curioso, copiar las obras que nos gustan (muy importante para aprender) y desarrollar la imaginación. La técnica es secundaria. Es el estilo el que tomará entonces protagonismo y, por tanto, la personalidad del artista.

Mi actividad me hace navegar entre estos dos mundos.

En ambos casos, también es necesario pasar por la gestión empresarial, ya que mantenerse rentable con una actividad creativa es difícil, especialmente hoy en día con las redes sociales que han sacudido los códigos de la comunicación. Todavía hoy aprendo a utilizar correctamente las redes para mantenerme visible, un infierno para mí, jaja.

El oficio de diseñador gráfico evoluciona rápidamente, especialmente con la llegada de nuevas herramientas como la inteligencia artificial. ¿Cómo percibes estos cambios y su impacto en tu trabajo?

Soy anti-IA por principio. Podríamos hacer una entrevista únicamente sobre este tema, así que intentaré ser conciso.

La propia naturaleza de la IA generativa es una aberración, ya que sus algoritmos se entrenan libremente con todas las imágenes publicadas en internet. Esto plantea multitud de problemas éticos y morales relacionados con la propiedad intelectual y los derechos de autor. Estados Unidos, cuna del sistema, impone su ley en este ámbito sin ningún control, ni estudio, ni debate, ni contradicción. La administración Trump la utiliza en exceso para servir a su agenda política y fomenta su desarrollo sin respetar el más mínimo sentido común. Esto no es banal.

Hay que añadir que su funcionamiento es posible gracias a servidores (los famosos data centers) que son un desastre ecológico. Necesitan deforestar y asfaltar suelos y consumen una cantidad de agua aberrante (para enfriar las máquinas). En definitiva, el imperialismo capitalista en todo su horror.

Hoy me resulta muy difícil mantener la confianza frente a este fenómeno. Va demasiado rápido, es imposible predecir lo que va a ocurrir y la mayoría de los estudios que he podido leer son muy alarmistas al respecto.

Para recentrar el debate en su impacto directo en mi actividad: no creo que haya ningún efecto por el momento. Los clientes que recurren a un artista buscan un estilo, una singularidad, una personalidad. La IA no puede proporcionar eso, ya que solo copia y regurgita sin alma lo que registra, lo que ya conduce a una uniformización visual que la gente empieza a notar. Se pueden ver movimientos que manifiestan un hartazgo ante esta «sopa» visual en las redes.

Me detengo aquí porque todavía tendría mucho que decir y el tema evoluciona cada día.

Para concluir esta entrevista, háblanos de tus proyectos en curso (si puedes revelarnos algunos) ?

Acabo de terminar una de las ilustraciones más grandes que he realizado para una portada de álbum, así que tengo muchas ganas de poder revelarla. Tengo otros artworks para álbumes y merch en curso, así como carteles de festival para 2027.

Por otro lado, recientemente pude trabajar para Ultra Vomit creando un cartel serigráfico para su paso por el Hellfest. Fue un buen golpe de proyector sobre mi trabajo este verano, lo cual siempre se agradece.

¡Gracias por tu tiempo, Valentine!

Un gran agradecimiento a Antoine por su tiempo, ¡esperamos que hayas aprendido cosas interesantes sobre este apasionante oficio! Para descubrir el trabajo de Antoine, es por aquí.