Der Beruf des Illustrators mit der Agentur Førtifem!

Das Grafikdesign nimmt einen wesentlichen Platz in der Musikindustrie ein. Albumcover, Konzertplakate, Merch oder visuelle Identitäten: Hinter jeder Kreation verbirgt sich eine Arbeit, die künstlerischen Sinn, Zuhören und Zusammenarbeit mit den Künstlern vereint. Für dieses neue Interview, das den Berufen der Musik gewidmet ist, treffen wir Førtifem, das Duo bestehend aus Jesse und Adrien, dessen einzigartiges grafisches Universum viele Musikprojekte prägt!

Hallo Jesse, Adrien. Danke, dass ihr euch die Zeit nehmt, unsere Fragen zu beantworten! Was waren eure jeweiligen Werdegänge im Grafikdesign vor Førtifem?

Hallo Distrolution Merch und vielen Dank an euch!

Was das Studium betrifft, sind wir beide durch Grafikdesign-Schulen gegangen: Adrien durch eine Schule für Angewandte Künste in Troyes und Jesse durch die Schule der Schönen Künste in Caen im Bereich Grafikdesign. Danach war Adrien 5-6 Jahre in Werbeagenturen tätig, als Art Director im Web bei Publicis und Ogilvy, und Jesse war als Freelancer im Printbereich und ein wenig im Web tätig.

2012 beschlossen Sie, Ihre Kräfte unter einem gemeinsamen Namen zu vereinen. Wie entstand Førtifem?

Als wir uns kennenlernten, hatten wir noch unsere jeweiligen Jobs, der Gedanke, zusammenzuarbeiten, war nicht besonders präsent, aber wir beide hegten eine große Liebe zur Illustration. Adrien machte hin und wieder Flyer und Poster für Bands, und Jesse erstellte persönliche Illustrationen. Wir fingen an, zum Spaß gemeinsam zu zeichnen, und Olivier Marescaux, ein befreundeter Siebdrucker, schlug uns vor, eine Ausstellung in Reims zu organisieren. Was wir für diese Ausstellung produziert haben, gab uns den entscheidenden Anstoß. Von da an begannen wir, einige Anfragen von Bands und Labels für Albumcover oder Logos zu erhalten. Wir machten das abends nach der Arbeit... und irgendwann nahm es so viel Platz in unserem Zeitplan ein, dass wir beschlossen, es zu 100 % zu versuchen. Mehr als ein Jahrzehnt später sind wir immer noch dabei!

Foto - DR - Bildnachweis: William Lacalmontie

Euer Stil liegt irgendwo zwischen Tätowierung und alter Gravur. Wie hat sich diese visuelle Identität im Laufe der Zeit entwickelt?

Tätowierung und Gravur sind zwei Welten, die wir von Anfang an gemeinsam hatten: die schwarze Linie, okkulte Referenzen, Monster, Religion und Alchemie. Wir zeichnen nicht auf dieselbe Art, aber wir nutzen es, um ähnliche Dinge auszudrücken. Das hat sich also ziemlich natürlich ergeben, es gab keine bewusste Überlegung, einen bestimmten Stil anzustreben. Selbst jetzt fällt es uns schwer, unseren „Stil" zu definieren, aber wenn das, was wir machen, wiedererkennbar ist, ist das super. Am Anfang arbeiteten wir nur in Schwarz-Weiß, aber es waren die Wünsche bestimmter Kunden (Carpenter Brut insbesondere, um ihn nicht zu nennen), die uns dazu brachten, Farbe hinzuzufügen. Wir können leicht in unserer Komfortzone bleiben, aber wir lieben es, wenn wir dazu angeregt werden, sie zu verlassen.

Können Sie uns die wichtigsten Schritte Ihres kreativen Prozesses beschreiben, vom ersten Gespräch mit dem Kunden bis zum fertigen visuellen Ergebnis?

Das hängt wirklich vom Projekt ab, aber im Allgemeinen fragen wir den Kunden gleich zu Beginn nach möglichst vielen Elementen und Inspirationen: die Musik natürlich, wenn wir für Musikerinnen oder Musiker arbeiten, sowie Dinge, die sie visuell bei uns oder bei anderen mögen. Wir bevorzugen Auftragsarbeiten mit einer Idee, einem Minimum an Vorgaben, gegenüber freien Händen: In 90 % der Fälle hat der Auftraggeber zwangsläufig einen Keim einer Idee, die er nicht wagt oder nicht schafft, zu konzeptualisieren und auszudrücken.

Nach diesen ersten Gesprächen skizzieren wir eine oder mehrere Richtungen und vertiefen eine davon genauer. Wir versuchen so weit wie möglich, alle Details in der Skizzenphase abzusegnen, bevor wir uns an das endgültige Bild machen. Schließlich arbeiten wir die Farbe meistens ganz zuletzt aus. Wir versuchen auch oft, Skizze und Endfassung schnell aufeinanderfolgend zu bearbeiten, um den Schwung zu erhalten und die Energie, die wir dem Projekt widmen, rein und unversehrt zu bewahren, anstatt sie im Laufe der Zeit zu verwässern. 

Bei einem so umfangreichen und renommierten Portfolio – gibt es ein Projekt, das euch besonders positiv in Erinnerung geblieben ist, sei es durch seinen Umfang oder seine kreative Freiheit?

Wir schwanken zwischen dem Moment, als wir eine E-Mail von einem gewissen Tomas erhielten, der uns mit großer Höflichkeit erklärte, dass er Teil einer norwegischen Black-Metal-Band sei und dass er möchte, dass wir ihr Wappen überarbeiten – die Band war Emperor. 

Das Teenager-Ich in uns konnte es kaum fassen. Danach war das größte Projekt, das wir je gemacht haben, Major Arcana im Jahr 2019, und wir werden uns von dieser Episode nie erholen. Red Bull veranstaltete ein Musikfestival in Paris und bat uns, einen ambitionierten Abend zu konzipieren, um ein Metal-Konzert in dieser Ausgabe zu gestalten, das Bild und Musik verbindet und „noch nie dagewesen" sein sollte – mit dem Hinweis, dass Geld kein Problem sei.

Wir luden Dutzende befreundeter Bands und Freunde von Freunden ein und machten ihnen diesen verrückten Vorschlag: gemeinsam auf der Bühne aufzutreten, mit einer animierten visuellen Gestaltung aus unseren Illustrationen, die hinter ihnen ablief – alles auf der grandiosen Bühne des Trianon.

Das Line-up bestand aus drei Kollaborationen, die für immer in unseren Herzen eingraviert sind: Nostromo & Treha Sektori, Hangman's Chair & Regarde les Hommes Tomber sowie Alcest & Perturbator. 

Unter den Notfalloptionen war, als Geheimnis, Amenra oder auch Ulver. 

Red Bull, Monster oder irgendein anderer mächtiger multinationaler Dosenkonzern – falls ihr das hier lest, wir sind bereit, es nochmal zu tun. 

Umgekehrt, was war die markanteste Schwierigkeit, mit der ihr konfrontiert wart, und wie habt ihr sie überwunden?

Unsere größte Einschränkung im Allgemeinen ist die Zeit – manchmal muss man sehr schnell eine Idee oder ein Layout finden, während man sich eigentlich Zeit nehmen möchte, um zu graben, zu testen und das Offensichtliche zu hinterfragen. Aber ganz konkret: Wir hatten einmal ein Albumcover-Projekt, bei dem alles abgesegnet war, das Cover war fast fertig, und dann fand sich eines der Mitglieder darin nicht wieder... Die Entscheidung wurde getroffen, alles von vorne anzufangen. Am Ende sind wir sehr froh über diese Entscheidung, und das zweite Cover war viel besser. Aber in diesem Moment war es nicht einfach, alles neu zu machen und dabei die ursprüngliche Energie zu bewahren. Fun Fact: Es ist eine Band, die im Interview erwähnt wird. Prüfungen vergisst man schnell, während ein Plattencover ewig bleibt.

Wie blicken Sie heute auf den Beruf des Illustrators, insbesondere im digitalen Zeitalter und dem der KI, während Ihre Praxis stark im manuellen Zeichnen verwurzelt bleibt?

Wir zeichnen seit einigen Jahren kaum noch auf Papier. Die von der Verlagswelt auferlegten Produktionstakte haben uns ein wenig gezwungen, auf Digital umzusteigen, um ein paar Stunden zu gewinnen, die wir zum Schlafen nutzen können. Kein Einscannen mehr, kein Bereinigen des Papiers oder der Linien, und wenn Änderungen nötig sind, müssen wir nicht die gesamte Zeichnung neu machen! Aber es ist nicht dieselbe Praxis – es ist weniger immersiv, vor einem Bildschirm zu sitzen als vor einem Blatt Papier. Deshalb hoffen wir, irgendwann ein bisschen mehr dazu zurückkehren zu können. Die Emotion vor einer Originalzeichnung ist unvergleichlich mit der vor einer Datei. 

Was die KI betrifft, ja, das ist seit einigen Jahren die große Debatte, und man muss zugeben, dass es nicht aufhören wird. Wir haben das Glück, unsere Karriere vor alldem begonnen zu haben und eine eigene Handschrift und ein Können entwickeln zu können, sodass die Leute mit einer konkreten Vorstellung zu uns kommen, und (vorerst?) kann die KI nicht produzieren, was wir machen. Aber für Personen, die jetzt eine künstlerische Karriere beginnen, muss das schwindelerregend sein.

Abgesehen von den ethischen und ökologischen Problemen ist es auch eine zweischneidige Sache: Einerseits ermöglicht KI jetzt Menschen, ihre Ideen visuell auszudrücken. Andererseits kann sie sie in einer Bildsprache festhalten und unsere kreative Bandbreite sowie die Möglichkeit, sie zu überraschen, einschränken.

Schließlich finden wir es schlicht traurig, wenn Menschen KI nutzen, um fertige Produkte zu generieren – Festivalplakate, Merch, Albumcover –, und sich damit die Chance entgehen lassen, mit Bildgestaltern zusammenzuarbeiten, zumal das Angebot noch nie so lebendig war. 

Welche Ratschläge würden Sie Menschen geben, die sich im Bereich Grafikdesign / Design etablieren möchten?

Macht es. Ganz einfach. Macht es und lasst euch so früh und so oft wie möglich bezahlen. 

Wir haben mit riesigen Bands zusammengearbeitet, aber das gelang uns nur, weil wir mit kleinen Bands angefangen haben, dann mit mittleren, immer mit der gleichen Sorgfalt und Aufmerksamkeit. Wenn man eine Band mag, sollte man nicht zögern, ihr die eigene Arbeit anzubieten, dabei darauf achten, sich nicht in eine asymmetrische Dynamik zu begeben: Es soll eine Zusammenarbeit bleiben, bei der jeder den anderen braucht und die allen zugutekommt, um etwas Schönes oder Starkes zu schaffen.  

Konzerte brauchen Plakate, Bands brauchen Merch. Und macht auch Sachen für euch, unter euch. Ihr werdet Siebdrucker treffen, die Bilder zum Drucken brauchen, Veranstalter, die euch die Möglichkeit geben, euch bei Flyern auszutoben und zu experimentieren. Wir arbeiten alle zusammen daran, die Welt cooler zu machen – ein Bild nach dem anderen. 

Wir danken Jesse & Adrien herzlich für ihre Zeit und hoffen, dass ihr viel Interessantes über den Beruf des Grafikdesigners erfahren habt! Um ihre Arbeit zu entdecken, geht es hier entlang!