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El diseño gráfico ocupa un lugar esencial en la industria musical. Portadas de álbumes, carteles de conciertos, Merch o identidades visuales: detrás de cada creación se esconde un trabajo que combina sentido artístico, escucha y colaboración con los artistas. Para esta nueva entrevista dedicada a los oficios de la música, salimos al encuentro de Førtifem, el dúo compuesto por Jesse y Adrien, cuyo singular universo gráfico marca numerosos proyectos musicales.
Hola Jesse, Adrien. ¡Gracias por tomarse el tiempo de responder a nuestras preguntas! Antes de Førtifem, ¿cuáles eran vuestros respectivos recorridos en el diseño gráfico?
¡Hola Distrolution Merch y gracias a vosotros!
En cuanto a estudios, los dos pasamos por escuelas de diseño gráfico: Adrien en una escuela de Artes Aplicadas en Troyes y Jesse en Bellas Artes de Caen en diseño gráfico. Después de eso, Adrien trabajó en agencias de publicidad como D.A web durante 5-6 años en Publicis y Ogilvy, y Jesse fue freelance en el sector de la impresión y algo en el web.
En 2012, decidís unir fuerzas bajo un mismo nombre. ¿Cómo nació Førtifem?
Cuando nos conocimos, aún teníamos nuestros trabajos respectivos, la idea de trabajar juntos no era algo especialmente presente, pero los dos teníamos un gran amor por la ilustración. Adrien hacía de vez en cuando flyers y pósters para grupos y Jesse hacía ilustraciones personales. Empezamos a dibujar a cuatro manos por diversión y Olivier Marescaux, un amigo serígrafo, nos propuso organizar una exposición en Reims; fue lo que produjimos para esa exposición lo que nos abrió las puertas. A partir de ahí, empezamos a recibir algunas solicitudes de grupos y sellos para crear portadas de álbumes o logos, lo hacíamos por las noches después de la jornada laboral... y en un momento dado, empezó a ocupar mucho espacio en nuestra agenda y decidimos intentar concentrarnos en ello al 100%. ¡Más de una década después, aquí seguimos!
Foto - DR - Crédito: William Lacalmontie
Vuestro estilo está a medio camino entre el tatuaje y el grabado antiguo. ¿Cómo se fue construyendo esta identidad visual con el tiempo?
El tatuaje y el grabado son dos universos que teníamos en común desde el principio: la línea negra, referencias ocultistas, monstruos, religión y alquimia. No tenemos la misma forma de dibujar, pero la usamos para expresar cosas similares. Así que se dio de forma bastante natural, no hubo ninguna reflexión orientada hacia un estilo en particular; incluso ahora nos cuesta definir qué es nuestro «estilo», pero si lo que hacemos es reconocible, genial. Al principio solo hacíamos blanco y negro, pero fueron las solicitudes de algunos clientes (Carpenter Brut en particular, por no citarlo) quienes nos llevaron a añadir color. Podríamos quedarnos fácilmente en nuestra zona de confort, pero nos gusta cuando nos empujan a salir de ella.
¿Podéis describirnos las grandes etapas de vuestro proceso creativo, desde la primera conversación con el cliente hasta el visual final?
Depende mucho de los proyectos, pero en general pedimos al cliente el mayor número posible de elementos e inspiraciones desde el principio: la música, obviamente, si trabajamos para músicas o músicos, cosas que les gusten visualmente de nosotros o de otros. Preferimos los proyectos de encargo con una idea mínimamente definida a las cartas blancas: el 90% de las veces, el cliente tiene inevitablemente un embrión de idea que no se atreve o no logra conceptualizar y expresar.
Tras estos primeros intercambios, hacemos bocetos de una o varias propuestas y desarrollamos una con más detalle. Intentamos en la medida de lo posible validar todos los detalles en la fase de bocetos antes de lanzarnos al visual definitivo. Por último, la mayoría de las veces, trabajamos el color al final del todo. También intentamos encadenar rápidamente boceto y final, para preservar el momentum y mantener pura e intacta la energía que dedicamos al proyecto, en lugar de diluirla en el tiempo.
Con un portfolio tan denso y prestigioso, ¿hay algún proyecto que os haya marcado especialmente de forma positiva, ya sea por su envergadura o por su libertad creativa?
Dudamos entre la vez que recibimos un correo de un tal Tomas que nos explicaba con enorme educación que formaba parte de un grupo de black metal noruego y que quería que rediseñáramos su escudo de armas: el grupo era Emperor.
El adolescente que llevamos dentro no daba crédito. Luego, el proyecto más grande que hemos hecho fue Major Arcana en 2019, y nunca nos recuperaremos de ese episodio. Red Bull organizaba un festival de música en París y nos propuso concebir una velada ambiciosa para montar una fecha de metal en esa edición, que combinara imagen y música y que fuera «algo nunca visto», diciéndonos que el dinero no era un problema.
Nos encontramos invitando a decenas de grupos amigos y amigos de amigos proponiéndoles esta idea descabellada: hacer sets juntos en el escenario, con una ambientación visual animada a partir de nuestras ilustraciones desfilando detrás de ellos, todo ello en el grandioso escenario del Trianon.
El cartel se quedó en tres colaboraciones eternamente grabadas en nuestros corazones: Nostromo & Treha Sektori, Hangman's Chair & Regarde les Hommes Tomber, y Alcest & Perturbator.
En los planes B, es un secreto, teníamos a Amenra o incluso a Ulver.
Red Bull, Monster o cualquier otra poderosa holding multinacional de latas, si nos están leyendo, estamos dispuestos a repetirlo.
Por el contrario, ¿cuál fue la dificultad más significativa a la que tuvisteis que enfrentaros y cómo lograisteis superarla?
Nuestra mayor limitación en general es el tiempo; a veces hay que encontrar una idea o una maquetación muy rápidamente cuando nos gustaría poder tomarnos el tiempo de profundizar, probar, ir a contracorriente de lo obvio. Pero más concretamente, en un momento dado tuvimos un proyecto de portada de álbum: todo había sido validado, la portada estaba casi lista, y entonces uno de los miembros no se identificaba con ella… Se tomó la decisión de empezar de cero. Al final, estamos muy contentos con esa decisión y la segunda portada era mucho mejor, pero en ese momento no fue sencillo rehacerlo todo manteniendo la energía inicial. Fun fact: es un grupo mencionado en la entrevista. Los contratiempos se olvidan rápido, mientras que una portada de disco es eterna.
¿Cómo veis hoy el oficio de ilustrador, especialmente en la era digital y de la IA, cuando vuestra práctica sigue muy anclada en el dibujo a mano?
Llevamos pocos años dibujando en papel, ya que los ritmos impuestos especialmente por el mundo editorial nos obligaron un poco a pasarnos al digital para ganar algunas horas que podemos dedicar a dormir. Sin más escáner, sin limpiar el papel ni las líneas, y si hay modificaciones que hacer, ¡no hay que rehacer todo el dibujo! Pero no es la misma práctica; estar frente a una pantalla es menos inmersivo que estar frente a una hoja de papel, así que esperamos poder volver a ello un poco más en algún momento. La emoción ante un dibujo original es incomparable a la que produce un archivo.
Sobre la IA, sí, es el gran debate desde hace unos años, y habrá que admitir que no va a detenerse. Nosotros tenemos la suerte de haber comenzado nuestra carrera antes de todo eso y de haber podido desarrollar un estilo propio y un saber hacer que hace que la gente venga a nosotros con una idea precisa y (¿por ahora?) la IA no puede producir lo que hacemos, pero para quienes se lanzan en una carrera artística ahora, debe ser desconcertante.
Más allá de las problemáticas éticas y ecológicas, también es algo de doble filo: por un lado, la IA permite ahora a algunas personas formular sus ideas visualmente. Por otro: puede bloquearlas en una iconografía y reducir nuestra amplitud creativa y la posibilidad de sorprenderlas.
Por último, en cuanto a quienes utilizan la IA para generar productos terminados, carteles de festival, merch, portadas, nos parece francamente triste privarse de la oportunidad de colaborar con profesionales de la imagen, especialmente cuando la oferta nunca ha sido tan vibrante.
Por último, ¿qué consejos daríais a quienes quieren iniciarse en el diseño gráfico?
Hacedlo. Sin más. Haced y haceos pagar tanto y tan pronto como sea posible.
Hemos trabajado con grupos enormes, pero eso solo fue posible empezando con grupos pequeños, luego medianos, siempre con el mismo cuidado y la misma atención. Si te gusta un grupo, no hay que dudar en ofrecerle tu trabajo, asegurándose de no caer en una dinámica asimétrica: que siga siendo una colaboración en la que cada uno necesita al otro y que beneficie a todos, para producir algo bello o poderoso.
Los conciertos necesitan carteles, los grupos necesitan merch. E incluso, haced cosas para vosotros, entre vosotros. Conoceréis serigrafistas que necesitan imágenes para imprimir, organizadores que os ofrecerán la posibilidad de divertiros con flyers y experimentar. Todos trabajamos juntos para hacer el mundo más guay, una imagen a la vez.
